Arte y Aves

Para empezar a trabajar con la técnica del pastel, he planteado el tema Aves en peligro de extinción.

Tristemente, no nos ha costado nada encontrar aves en peligro de extinción o ya extintas.

Características de la tarea.

Tema: aves en peligro de extinción.

Técnica: pastel en barra y en lápiz sobre papel.

Formato: DIN A4.

En el trabajo, y formando parte de la composición, es necesario representar gráficamente el motivo principal por el cual está en peligro cada ave.

En cada trabajo aparece el nombre científico y el común.

Cada trabajo se fotocopia y reduce con la finalidad de situarlas en la zona geográfica a la que pertenecen en un mapa mundial previamente dibujado.

Resultados.

Todos los trabajos están expuestos en los paneles del IES y sirven de tema de reflexión a quien se para a verlos.

Espero que os haya gustado.

Cianotipia con 4ESO

Este taller se consiguió realizar después de muchos intentos frustrados por la meteorología. Solamente necesitábamos más luz solar para poder revelar las imágenes durante la hora de clase. 

La cianotipia.

La cianotipia es un procedimiento fotográfico monocromo que consigue una copia negativa del original en un color azul de Prusia, llamada cianotipo.

Un poco de historia.

El astrónomo inglés Sir John Herschel inventó este procedimiento en 1842. Aunque Herschel lo ideó, fue la botánica británica Anna Atkins la que lo puso inmediatamente en práctica. Atkins publicó una serie de libros documentando helechos y otras plantas, cuyas ilustraciones eran copias azuladas o cianotipos, lo que le permitía documentarlas sin tener que dibujar. Por su serie British Algae, de 1843, Anna Atkins es considerada como la primera mujer fotógrafa.

 Proceso.

1. Preparación de la emulsión: Se mezclan dos compuestos químicos:
• Ferricianuro de potasio
• Citrato de amonio férrico
2. Aplicación en el soporte: Se extiende la solución sobre papel, tela, madera u otro material poroso y se deja secar en la oscuridad.
3. Exposición a la luz UV: Se coloca un objeto o negativo sobre el papel sensibilizado y se expone al sol o a luz ultravioleta.
4. Revelado con agua: Se enjuaga la imagen con agua corriente para eliminar los residuos no expuestos, dejando solo el azul característico.
5. Secado y oxidación: La imagen azul se intensifica con el tiempo al oxidarse con el oxígeno del aire.
   

Aplicaciones y usos

• Fotografía artística
• Impresión botánica 
• Diseño textil

Resultados de clase.

Fase 1: todo listo.

Fase 2: resultados finales.

Es una técnica accesible, ecológica y creativa. 

¿Qué os ha parecido? Espero que os haya gustado.

Fuentes consultadas:

Cianotipia - Wikipedia, la enciclopedia libre

Probando nuevas técnicas y soportes en Dibujo Artístico.

 Un día por otro, casi puedo cambiar día por año, y... el tiempo ha ido pasando sin publicar nuevas entradas pero, aquí sigo intentando mantener vivo este blog. 

Planteamiento.

Seguimos trabajando todo lo que podemos y probando nuevos materiales, diferentes técnicas y, en esta ocasión, reciclando papel de periódico para utilizarlo como soporte.

Como siempre, una de las finalidades de todos los trabajos es exponerlos en los paneles del pasillo y en el hall que tenemos delante del aula.

Temática. Con la finalidad de evitar eternas dudas y demoras en la elección del tema, planteé 2 opciones: flores y pájaros. Aunque di libertad para elegir cualquier otro tema. 

Técnicas. Pastel, en barra y lápices y bolígrafo. 

Soporte. Papel de periódico. El papel se pegó previamente a un cartón o a una cartulina para ganar rigidez y consistencia.

Formato. Aproximadamente A4.

Resultados. 

Espero que os guste.

El apunte rápido y la memoria visual.

En la asignatura de Dibujo Artístico II hemos trabajado el apunte rápido de diferentes paisajes para, con la información gráfica y la memoria visual, realizar los diferentes paisajes cambiando la técnica y trabajando con los diferentes elementos gráficos de expresión visual.

Trabajo de perspectiva de L.M.

 Planteamiento básico.

Visionado rápido de imágenes de diferentes paisajes (un total de 7) para tomar apuntes rápidos.

Elección de la técnica más adecuada para cada para composición (de libre elección).

Elección de la técnica visual más adecuada para cada paisaje (línea, mancha...).

Conclusiones personales.

Formato máximo A4

Los resultados se pueden ver actualizados aquí.

Espero que lo disfrutéis.

Materiales de dibujo: el lápiz.

¿Gaspar Faber? ¿Nicolas Conté?
Seguro que esos apellidos los reconocemos y relacionamos rápidamente, sobre todo el primero de ellos. ¿Me equivoco?

El lápiz. Un poco de historia.

En la Edad Media se utilizaban varillas finas de plata, plomo o estaño consiguiendo trazos muy finos.

Primeros lápices: En 1564 se descubrió el grafito, en Cumberland, Inglaterra. Este descubrimiento permitió la invención de los lápices de grafito, que posteriormente se introdujeron en Francia.

Difusión: en el siglo XVIII, de la mano de Gaspar Faber, en Alemania, se generaliza su uso.

A finales del siglo XVIII el francés Nicolas-Jacques Conté y el austríaco Joseph Hardiriuth consiguieron una mejor producción y mayor resistencia, además de diferentes grados de dureza, al mezclar y hornear el grafito con arcilla y rodear esta mezcla con cilindros de madera. Es el antecedente más directo de lo que hoy coniocemos por lápiz.

Una mayor cantidad de arcilla proporciona mayor dureza y viceversa.

En la actualidad la composición de las minas se ha ampliado. Además de grafito y arcilla, se añaden grasa y ceras.
Los lápices de grafito se han convertido en útiles básicos y fundamentales en el dibujo. Son un producto económico y muy versátil que se puede utilizar tanto para dibujos técnicos como para dibujos artísticos.

¿Qué es el grafito?
El grafito es un mineral y el término deriva del griego γραφειν (graphein) que significa "escribir", ya que se usa principalmente para crear la punta de los lápices.

Minas de grafito: Presentación y nomenclatura.

La mayor o menor dureza de la mina se expresa anteponiendo al número que indica el grosor de la misma, las letras H (del inglés, hard) o B (del inglés, black).

letra	trazo	más características
H	Mayor dureza, trazos más finos y más claros	Puede llegar a marcar el papel y es más difícil de borrar
B	Más blando, trazos más gruesos y más oscuros	De fácil borrado, ensucia más
HB	dureza media tirando a blando	el más utilizado
F	dureza media tirando a duro
2H...	Cuanto más alto sea el número que acompaña a la letra, más duro
2B...	Cuanto más alto sea el número que acompaña a la letra, más blando

Si no pedimos un grosor o dureza determinados cuando vamos a comprar un lápiz o minas, nos ofrecerán las más comunes: dureza HB y grosor 2 en el caso del lápiz y dureza HB y un grosor 0.5 en el caso de las minas.

Presentación estándar. 
La mina está recubierta de madera, en forma hexagonal, triangular, circular, ovalada.
Las formas poligonales suelen resultar muy cómodas porque no ruedan sobre la mesa. Cada vez que se nos cae un lápiz al suelo, aunque aparentemente no le haya pasado nada, corremos el riesgo de que la mina, con el golpe, se agriete o rompa. Nos damos cuenta de ello cuando afilamos el lápiz y vemos que se nos rompe la punta una y otra vez. ¡Cuidadito!

Otras presentaciones.

Barras de grafito de diferentes grosores y durezas. Algunas necesitan un portaminas para poder utilizarlas, otras se utilizan directamente.
Lápices recubiertos de madera y de sección rectangular, son los conocidos como lápiz de carpintero.
También existen lápices de colores, tema de una futura entrada en este blog, lápices no reproducibles, de acuarela... 

Fuente de la imagen.

Materiales complementarios. 

Gomas de borrar, difuminos, cuchillas y sacapuntas o portalápices para cuando se nos quedan demasiado cortos. 

Soportes y técnicas.

El soporte más adecuado para trabajar con lápices de grafito es el papel, aunque se puede utilizar sobre cualquier superficie porosa. 

En cuanto a las técnicas, se pueden realizar sombreados, sombreados de líneas cruzadas, difuminado... Tema que en breve espero desarrollar para evitar cargar más esta entrada.

Espero que por fin quede claro el tema y os animo a investigar un poco más, he dejado muchos cabos abiertos.

Otros materiales de dibujo. El bolígrafo.

Bolígrafo: Utensilio para escribir que consiste en un tubo hueco de plástico o de metal con un depósito cilíndrico que contiene una tinta viscosa en su interior y una bolita metálica en la punta que gira libremente y hace salir la tinta de forma uniforme.

Los orígenes del bolígrafo.

Ladislao Biro y su hermano George Biro están considerados los inventores del bolígrafo.
La primera patente es del año 1938, aunque no se empezó a fabricar y a utilizar hasta 1940. Antes de su invención se utilizaba la pluma estilográfica, propensa a atascarse o a soltar manchas de tinta en el momento más inoportuno.

Para más información relacionada con la historia del boli clic aquí.

Cualidades a destacar de los bolígrafos o bolis.

Sus ventajas son numerosas, son baratos, fáciles de transportar, se pueden adquirir en  muchas tiendas no especializadas, tienen un tamaño adecuado, no huelen, no precisan de otros medios para su uso, son duraderos, no se rompen con facilidad y no precisan mantenimiento.
En cuanto a las desventajas, son de difícil borrado y la gama de colores puede llegar a ser limitada. Poco más.

El bolígrafo y el arte.

Desde su invención, numerosos artistas se interesaron por este material, entre ellos el famoso Andy Warhol.

Soportes más adecuados.
El papel es el soporte más adecuado, aunque también podemos dibujar sobre tela (prueba en tela vaquera) u otros materiales. Os animo a investigar los resultados en otros materiales que tengáis a mano.

De la cantidad de artistas que utilizan exclusivamente el bolígrafo para crear sus obras, he seleccionado solamente 2. Espero que os gusten tanto como a mí, y si no es así, os aconsejo buscar en la red, os sorprenderá.

Andrea Joseph.

Artista autodidacta que vive en el Reino Unido.

Enlace al blog de la artista y más imágenes de su trabajo en la página Ilustra.

Nuria Riaza.

Ilustradora española que utiliza el bolígrafo como técnica principal en sus obras. Sin comentarios sobre los resultados.

Enlace a la página de la artista.
Y ahora, a dibujar, seguro que hay un boli en tu estuche.

El apunte. Propuestas para Dibujo artístico II.

EL APUNTE.

El apunte es un dibujo rápido, conciso, riguroso, que sirve de referente para posteriores trabajos y en el que es imprescindible el análisis y la observación detenida del modelo.

PROPUESTA 1.

El apunte y la figura humana como modelo.

1. Realizar al menos 10 apuntes rápidos del natural tomando la figura humana como modelo.
   
   
2. Realizar 10 apuntes rápidos del natural tomando la figura humana en movimiento como modelo.
   
   
3. Sacar conclusiones (han de quedar reflejadas en el PDF de la unidad).
   
   

Se pide:

• Trabajar diferentes tipos de trazos.
• Experimentar con diferentes técnicas y soportes.
  
  

Características comunes:

• Formato A5 o A4.
  
• Soporte: papel
  
• Técnica libre (rotuladores, grafito, tinta, bolígrafo...).
  

PROPUESTA 2.

El apunte y la ciudad.

1. Realizar al menos 10 apuntes rápidos del natural analizando gráficamente el paisaje urbano.
   
   
2. Sacar conclusiones (han de quedar reflejadas en el PDF de la unidad).
   

Se pide:

• Trabajar la perspectiva y diferentes encuadres y puntos de vista.
  
  

Características técnicas:

• Formato A5 o A4.
  
• Soporte: papel
  
• Técnica libre (rotuladores, grafito, tinta, bolígrafo...).
  

Un trozo de arte.

Después de bastante tiempo intentando poner en práctica esta idea en la que trabajo diferentes contenidos como el color, el dibujo, la escala, el destaque o la Historia del Arte, por fin me he decidido y estos son los resultados.

Planteamiento básico.

Sacar un personaje de un cuadro y reproducirlo a escala humana.
Realizar la ficha técnica de la obra elegida (autor, época, estilo...).
Soporte: cartón.
Técnica: acrílicos.

Todos los trabajos están expuestos en el hall del IES.
En un principio estaban ubicados en diferentes zonas del Centro. Pero, después de algún que otro desperfecto, decidimos colocarlos todos juntos. Pierden fuerza, pero están más seguros.

¿Identificas los cuadros de los que se han sacado?

Espero que os guste.

Interpretando a Joan Castejón.

En la asignatura de Dibujo Artístico han trabajado la técnica del claroscuro interpretando una obra del artista Joan Castejón, del que previamente visitamos una exposición guiada por el propio artista.

Planteamiento del trabajo.

En la visita a la exposición se elige una de las obras para interpretarla en clase trabajando el encaje y el claroscuro.
La obra elegida ha de identificarse en cada copia/interpretación.
El trabajo práctico se acompaña de un documento relacionado con el artista, su obra en general y la elegida en particular.
Técnica seca: lápices de grafito, carboncillo o lápices carbón sobre papel respetando el formato pero no la escala del original.

Resultados de clase.

Y aquí están los resultados de los trabajos de clase. Espero que os gusten tanto como a mí.

Los trabajos están expuestos en los paneles del hall de Secretaría de nuestro IES. Os animo a disfrutarlos.

Joan Castejón. El artista y su técnica.

Hemos hecho la primera visita a la exposición con los alumnos de la asignatura de Dibujo artístico, os recuerdo que está en el Centro de Arte Taller de Ivars de Benissa hasta el 21 de octubre, y hemos tenido como guía al propio artista, que nos ha acercado un poco más a su técnica y a su obra.

Sin palabras.

Haikus y haigas. Resultados.

Y aquí están algunos de los resultados de vuestros haikus y haigas cuya actividad está planteada es esta entrada anterior.
Han utilizado técnicas húmedas, acuarela y tinta, con pincel y plumilla sobre papel.

Y siguen escribiendo haikus e ilustrándolos, así que es muy posible que actualice esta entrada en breve.
Todos están expuestos en el IES.
Espero que os guste.

Ilustrando nuestros haikus.

Breve introducción.

Matsuo Bashô, 1644-1694, es considerado el primer y gran maestro del haiku.
Para él, un haiku es, simplemente, lo que está sucediendo en este lugar y en este momento.
En al cultura japonesa, un haiku es un poema corto y sin rima cuyo tema principal es la naturaleza.
Un haiga es la ilustración que acompaña  dicho poema.
Haigin es el nombre que recibe el escritor de haikus.

Planteamiento del trabajo.

Parte 1. Texto.

Crear al menos 2 haikus teniendo en cuenta que se trata de un poema breve, sin rima, escrito en tres versos de cinco, siete y cinco sílabas respectivamente y cuyo tema principal es la naturaleza.
Tradicionalmente, hace referencia a alguna de las estaciones del año (kigo) y el último verso se yuxtapone a los anteriores.

Parte 2. Ilustración.

Ilustrar los haikus (haiga).
Para la ilustración utilizaremos técnicas húmedas, acuarela y/o tinta sobre papel.
Del mismo modo en que el haiku yuxtapone internamente sus imágenes, el haiga también contiene una yuxtaposición entre el haiku y la obra de arte. De hecho, la obra de arte no necesariamente representa de forma directa las imágenes presentadas en el haiku.

Materiales y técnicas.

Papel, pinceles, tinta, acuarela y mucha concentración.

Sugerencias para empezar.

Elegir un mes del año y una estación, dar un paseo por el campo y observar, y observar...

Taller de artista: serigrafía directa.

Tenemos la suerte de contar con el artista Jose Porres que, de manera altruista, va a impartir un taller de serigrafía directa a los alumnos de 2º de bachillerato de la optativa de Dibujo Artístico.

La introducción ha consistido en una demostración práctica del proceso de estampado sobre tela, papel y cartón de un dibujo sencillo a 1 tinta realizado por el propio artista.

Nos ha encantado.
Ahora toca hacer bocetos, comprar el material necesario y hacer el bastidor para empezar a poner en práctica lo aprendido.
Pensad que es una técnica de reproducción gráfica y podemos repetir la impresión tantas veces como queramos.
Breve introducción a la serigrafía en Wikipedia.
En esta página podemos consultar la técnica para serigrafiar directamente.
En breve vuestras ideas impresas.