Diseño gráfico. Cubiertas de libros.

La estrategia de este curso ha sido tocar más temas realizando trabajos de menor formato y probando técnicas con la intención de abarcar más aspectos relacionados con el Dibujo y ofrecer así diferentes caminos a seguir.

Esta actividad ha estado relacionada con el Diseño gráfico, en concreto, con el diseño de las cubiertas de los libros de lectura de las asignaturas de lenguas.

Planteamiento.

Elegir al menos 1 libro de lectura propuesto en el presente curso escolar por cualquier Departamento Lingüístico y diseñar la portada y la contraportada.

INFORMACIÓN DE INTERÉS.

Partes de la cubierta de un libro.

Las cubiertas para libros constan de 3 elementos: la portada, la espina o lomo y la contraportada. 

En algunas ocasiones también incluye el diseño de la solapa, un elemento que sobresale de la portada y se dobla hacia su interior, esta suele incluir información biográfica del autor y también se usa como marcador de lectura.

En la portada aparece el título del libro y el autor.

La espina, es el lomo del libro, su grosor viene definido por la cantidad de páginas y por el gramaje del papel que posea el libro. En la espina se reflejan el título, el autor y la editorial. 

La contraportada, incluye un resumen que tiene por objetivo captar el interés del lector sobre el contenido del texto, y el casi obligatorio código ISBN del libro.

También se puede incorporar una faja en la que se puede incorporar un eslogan e incluso os puede servir para colocar vuestros datos.

Tamaños.

Los libros son de distintos tamaños, los formatos más comunes son:

• 148×210 mm (A5) Novelas de bolsillo.
• 152,4 x 228,6 mm Libros de Amazon.
• 170×240 mm Libros y Novelas muy extensas.
• 210×210 mm Libros de niños y libros de fotografía.
• 210×297 mm (A4) Textos académicos y manuales de consulta.

Características del trabajo de clase.

Escala 1:1.

Técnica libre.

Elementos que acompañan al diseño: título y autor o autora de la obra y la ilustración.

Los diseños se exponen en un panel y cada obra se acompaña de una pequeña cartela en la que aparecen los datos del autor o autora del libro ( nombre y apellidos, año de nacimiento y muerte, si corresponde y estudios realizados ) y una frase o párrafo elegido del texto.

Resultados.

 

Fuente; https://rosaelemil.com/portadas-cubiertas-de-libros-diseno-tipos-tamanos-y-plantilla-descargable/

Espero que os haya gustado y os sirva la experiencia para futuros proyectos.

Fiber Art. El hilo como material artístico.

El mundo del diseño es apasionante. Uno de los campos del diseño del que paradójicamente nos olvidamos a menudo, a pesar de su presencia, es el diseño textil.

Diseño textil.

El diseño textil está relacionado con la elaboración de diferentes tejidos con propiedades específicas de hilado, tramado o teñido y también con la creación de estampados que adornan a esos tejidos.

Concepto.

La palabra 'textil' proviene del latín texere que significa tejer, trenzar o construir. 

La mayoría de los textiles se fabrican a partir de hilos o cuerdas confeccionados por torsión o trenzado de las fibras. 

Los hilos se tejen, tricotan o enlazan para formar una tela o paño que puede utilizarse para hacer ropa y otros objetos y, por supuesto, para crear obras de arte bidimensionales o tridimensionales.

Ámbitos.

El Diseño textil Abarca diferentes ámbitos.

Por un lado, el Diseño de moda con obras de arte ambulantes en forma ropa o complementos. También en forma de tapicerías, alfombras, cortinas o sábanas y mantas que nos acompañan silenciosamente en nuestra rutina diaria. Por otro lado, obras protegidas por los muros de los museos, salas de exposición o colecciones privadas.

Todos ellos tienen en común el uso del mismo material: tejidos y fibras.

Arte con nombre propio:

Fiber Art.

Durante las décadas de los 60 y los 70 del siglo XX la expresión “arte textil” se consolidó, desligándose del ámbito meramente artesanal. 

Artistas como Sheila Hicks, Magdalena Abakanowicz, Lenore Tawney y Claire Zeisler fueron sus principales abanderadas.

Clic para ver su obra y detalles de su trayectoria artística.

El Fiber Art tiene un lenguaje propio, con tejido y fibras como materia de expresión artística. 

Es como pintar con hilo y esculpir volúmenes con todo tipo de materiales textiles. 

Artistas.
No ha sido fácil elegir entre tantos artistas con obras tan diferentes y atractivas. Os presento a las que más me han impresionado: Cayce Zavaglia y Alicja Kozlowska. 

Cayce Zavaglia.

Cayce Zavaglia me impresionó por el grado de realismo y detalle en sus trabajos. Os animo a visitar su página para ver más obras suyas, la mayoría retratos.

Imágenes del anverso y reverso de la misma obra.

Alicja Kozlowska.
La página de esta artista me ha encantado, no me canso de recrearme en todos esos objetos cotidianos tejidos. 
Aquí os dejo un par de ejemplos y dad una vuelta por su página, por favor.

Bueno, como dijo Paul Éluard, hay otros mundos, pero están en éste...
Espero que os haya gustado.
Fuentes: Wikipedia, El Economista

La teoría de la Gestalt.

La sicología de la Gestalt 

o sicología de la forma.

Gestalt: palabra de origen alemán que significa literalmente “forma”.

La Sicología de la Gestalt es una corriente de la sicología surgida en Alemania a principios del siglo XX. Fue Christian von Ehrenfels, un filósofo austriaco, quien dio nombre a este movimiento en Las cualidades de la forma, su obra más importante.

Los principales teóricos de la Gestalt son Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka y Kurt Lewin.

Principio sobre el que se funda la teoría:

“el todo es más que la suma de sus partes”.

Se trata de descubrir por qué vemos lo que vemos, por qué nuestro cerebro tiende a interpretar un conjunto de elementos diferentes como un único mensaje, y cómo nuestra mente agrupa las informaciones que recibimos en categorías mentales que nosotros mismos hemos establecido.

Leyes de la percepción visual.

Nuestro sistema de visión percibe las imágenes como conjuntos y posteriormente las analiza para reconocer las diferentes partes.

Los teóricos de la Gestalt establecen unas leyes que explican los agrupamientos perceptivos.

Leyes de percepción visual
Proximidad
Semejanza
Continuidad
Simetría
Cierre
Contraste
Figura / fondo
Dirección
Pregnancia

• Ley de proximidad. Tendencia al agrupamiento. Los elementos que están a una distancia cercana suelen ser percibidos como un grupo o como un mismo objeto.
  

  

  
  

• Ley de semejanza. Tendencia a unificarse. Las figuras parecidas, ya sea por su tamaño, forma o color, se suelen agrupar y percibir como una unidad.

• Ley de continuidad.  La mente tiende a seguir un patrón.

Sé consciente del recorrido visual que realizas al mirar la imagen anterior e intenta cambiarlo.

• Ley de Figura / fondo.  Nuestro cerebro tiende a separar el fondo de los demás elementos importantes, pero se basa en la premisa que no existe figura sin un fondo que la sustente.
  
• Ley de Cierre. La mente tiende a añadir los elementos que faltan para completar una figura que está incompleta.

• Ley de Simetría. Se basa en que nuestro cerebro percibe las imágenes simétricas como iguales y, a la distancia, como un solo elemento.
  
  

• Ley de Contraste.  Los elementos que se diferencian y que son singulares tienden a destacar, porque contrastan.
  
• Ley de Dirección.  La atención se centra donde se dirijan los elementos ubicados en la imagen. También se conoce como principio de destino común.
  
• Ley de Pregnancia. La mente es capaz de percibir formas incompletas o no del todo evidentes. Se utiliza mucho en publicidad y marketing.
  

Fuentes: Fotonostra. Ilerna. 

La Comunicación visual y Pepe Gimeno.

La primera vez que vi la obra de Pepe Gimeno inmediatamente la relacioné con Donis A. Dondis y con su libro La sintaxis de la imagen.
Toda la teoría del libro de Dondis la vi plasmada en la obra de Gimeno.
Así que, para ilustrar la propuesta de uno de los ejercicios que os planteo, voy a utilizar la obra de este interesante artista.

Donis A. Dondis. (1924-1984), diseñadora formada en el Massachussets College of Art, fue profesora de la School of Public Communication de la Boston University (Estados Unidos). 
Su libro La sintaxis de la imagen, publicado originalmente en 1973, se convirtió en referencia bibliográfica fundamental del campo de la alfabetización visual.

Pepe Gimeno (Valencia, 1951) es un diseñador gráfico español, autor de numerosas marcas conocidas de grandes empresas y que ha realizado numerosas esxposiciones por todo el mundo.
En la actualidad dirige el estudio valenciano «Pepe Gimeno - Proyecto Gráfico».

Técnicas de comunicación visual.

La comunicación visual puede definirse como un sistema de transmisión de información que utiliza las imágenes como medio de expresión, es decir, transmite mensajes visuales.
La eficacia depende de cómo demos esta información

El agrupamiento que nos ofrece Dondis en su libro, La sintaxis de la imagen, es el de conceptos opuestos.

unidad / fragmentación	equilibrio / inestabilidad
simetría / asimetría	regularidad / irregularidad
simplicidad / complejidad	economía / profusión
reticencia / exageración	predictibilidad / espontaneidad
actividad / pasividad	sutileza / audacia
neutralidad / acento	transparencia / opacidad
coherencia / variación	realismo / distorsión
plana / profunda	singularidad / yuxtaposición
secuencialidad / aleatoriedad	agudeza / difusividad
continuidad / episodicidad

En el libro, todas y cada una de las técnicas están ilustradas con ejemplos.

Propuestas de tareas.

1. Elegir una pareja de técnicas opuestas y buscar ejemplos dentro del campo del Diseño Gráfico. (Presentación en formato pdf).
2. Crear una obra propia en la que predomine alguna de las técnicas visuales. La elección del tema, soporte, formato y técnica son libres. 
3. Análisis formal de tu obra: tipo de soporte, formato, técnica, procedimiento, composición, técnicas visuales utilizadas, color, estilo, influencias de artistas o corrientes artísticas. 
4. Realizar la ficha técnica del artista Pepe Gimeno haciendo especial hincapié en los materiales utilizados. En este apartado es importante que expongas tu opinión personal. (Presentación en formato pdf).
5. Identificar la o las técnicas visuales en las imágenes que aparecen a continuación, todas ellas de Pepe Gimeno:

Competencias.

CCLI: Competencia comunicación lingüística.
CD: Competencia digital.
CAA: Competencia aprender a aprender.
CSC: Competencias sociales y cívicas.
CEC: Conciencia y expresiones culturales.

Recomendaciones. 

Os invito a buscar información sobre el tema de la comunicación visual y a leer el libro en cuanto podáis. Lo considero un imprescindible.

Espero que os guste el artista elegido para ilustrar la propuesta de ejercicio.

Otros materiales de dibujo. El bolígrafo.

Bolígrafo: Utensilio para escribir que consiste en un tubo hueco de plástico o de metal con un depósito cilíndrico que contiene una tinta viscosa en su interior y una bolita metálica en la punta que gira libremente y hace salir la tinta de forma uniforme.

Los orígenes del bolígrafo.

Ladislao Biro y su hermano George Biro están considerados los inventores del bolígrafo.
La primera patente es del año 1938, aunque no se empezó a fabricar y a utilizar hasta 1940. Antes de su invención se utilizaba la pluma estilográfica, propensa a atascarse o a soltar manchas de tinta en el momento más inoportuno.

Para más información relacionada con la historia del boli clic aquí.

Cualidades a destacar de los bolígrafos o bolis.

Sus ventajas son numerosas, son baratos, fáciles de transportar, se pueden adquirir en  muchas tiendas no especializadas, tienen un tamaño adecuado, no huelen, no precisan de otros medios para su uso, son duraderos, no se rompen con facilidad y no precisan mantenimiento.
En cuanto a las desventajas, son de difícil borrado y la gama de colores puede llegar a ser limitada. Poco más.

El bolígrafo y el arte.

Desde su invención, numerosos artistas se interesaron por este material, entre ellos el famoso Andy Warhol.

Soportes más adecuados.
El papel es el soporte más adecuado, aunque también podemos dibujar sobre tela (prueba en tela vaquera) u otros materiales. Os animo a investigar los resultados en otros materiales que tengáis a mano.

De la cantidad de artistas que utilizan exclusivamente el bolígrafo para crear sus obras, he seleccionado solamente 2. Espero que os gusten tanto como a mí, y si no es así, os aconsejo buscar en la red, os sorprenderá.

Andrea Joseph.

Artista autodidacta que vive en el Reino Unido.

Enlace al blog de la artista y más imágenes de su trabajo en la página Ilustra.

Nuria Riaza.

Ilustradora española que utiliza el bolígrafo como técnica principal en sus obras. Sin comentarios sobre los resultados.

Enlace a la página de la artista.
Y ahora, a dibujar, seguro que hay un boli en tu estuche.

La composición artística. Esquemas compositivos.

Si buscamos la definición de Composición, encontramos entre otras la que nos interesa:

manera en que están dispuestas las figuras representadas en una fotografía, pintura o escultura. 

A lo que yo añadiría:

disposición y ubicación de los diferentes elementos en cualquier obra creada.

Etimológicamente la palabra 'composición' proviene del latín y significa 'acción y efecto de poner a cada cual lo que le toca'; es decir, poner juntos, agrupar.

La composición artística.

Esquemas compositivos.

A lo largo de la historia los artistas han seguido siempre unas pautas determinadas que les permitían distribuir de manera armónica y equilibrada las masas y los pesos visuales sobre la superficie del soporte. 

Los esquemas compositivos son el conjunto de líneas principales sobre los que se organizan los espacios donde se van a situar los diferentes elementos.

Principales esquemas compositivos simples.

A través de los trabajos de diferentes artistas contemporáneos relacionados con el diseño de moda, podéis ver algunos de los diferentes esquemas compositivos que podemos utilizar en nuestras creaciones de manera consciente.

Esquema en L. 

Ilustración de Blair Breitenstein.

Esquema en triángulo o piramidal.

Ilustración de Blair Breitenstein. 

Esquema simétrico.

En este caso se trata de una simetría aparente y axial.

Ilustración de Kelly Marie Beeman.

Esquema en aspa.

Trabajo Olka osadzinska, de nombre artístico Aleosa.

Esquema en diagonal.

De Blair Breitenstein.

Esquema vertical. 

Imagen de Judith van den Hoek.

Esquema circular. 

Ilustración de Sara Herranz.

En cuanto a los esquemas compositivos compuestos o complejos, son  la combinación de los anteriores.

Como sé que algunos queréis dedicaros al mundo de la moda, os dejo un enlace para que lo disfrutéis al máximo. 

Ojalá se cumplan vuestros sueños.