Cianotipia con 4ESO

Este taller se consiguió realizar después de muchos intentos frustrados por la meteorología. Solamente necesitábamos más luz solar para poder revelar las imágenes durante la hora de clase. 

La cianotipia.

La cianotipia es un procedimiento fotográfico monocromo que consigue una copia negativa del original en un color azul de Prusia, llamada cianotipo.

Un poco de historia.

El astrónomo inglés Sir John Herschel inventó este procedimiento en 1842. Aunque Herschel lo ideó, fue la botánica británica Anna Atkins la que lo puso inmediatamente en práctica. Atkins publicó una serie de libros documentando helechos y otras plantas, cuyas ilustraciones eran copias azuladas o cianotipos, lo que le permitía documentarlas sin tener que dibujar. Por su serie British Algae, de 1843, Anna Atkins es considerada como la primera mujer fotógrafa.

 Proceso.

1. Preparación de la emulsión: Se mezclan dos compuestos químicos:
• Ferricianuro de potasio
• Citrato de amonio férrico
2. Aplicación en el soporte: Se extiende la solución sobre papel, tela, madera u otro material poroso y se deja secar en la oscuridad.
3. Exposición a la luz UV: Se coloca un objeto o negativo sobre el papel sensibilizado y se expone al sol o a luz ultravioleta.
4. Revelado con agua: Se enjuaga la imagen con agua corriente para eliminar los residuos no expuestos, dejando solo el azul característico.
5. Secado y oxidación: La imagen azul se intensifica con el tiempo al oxidarse con el oxígeno del aire.
   

Aplicaciones y usos

• Fotografía artística
• Impresión botánica 
• Diseño textil

Resultados de clase.

Fase 1: todo listo.

Fase 2: resultados finales.

Es una técnica accesible, ecológica y creativa. 

¿Qué os ha parecido? Espero que os haya gustado.

Fuentes consultadas:

Cianotipia - Wikipedia, la enciclopedia libre

Probando nuevas técnicas y soportes en Dibujo Artístico.

 Un día por otro, casi puedo cambiar día por año, y... el tiempo ha ido pasando sin publicar nuevas entradas pero, aquí sigo intentando mantener vivo este blog. 

Planteamiento.

Seguimos trabajando todo lo que podemos y probando nuevos materiales, diferentes técnicas y, en esta ocasión, reciclando papel de periódico para utilizarlo como soporte.

Como siempre, una de las finalidades de todos los trabajos es exponerlos en los paneles del pasillo y en el hall que tenemos delante del aula.

Temática. Con la finalidad de evitar eternas dudas y demoras en la elección del tema, planteé 2 opciones: flores y pájaros. Aunque di libertad para elegir cualquier otro tema. 

Técnicas. Pastel, en barra y lápices y bolígrafo. 

Soporte. Papel de periódico. El papel se pegó previamente a un cartón o a una cartulina para ganar rigidez y consistencia.

Formato. Aproximadamente A4.

Resultados. 

Espero que os guste.

Portal de dibujo técnico.

Este portal de dibujo técnico es altamente recomendable, tanto para el alumnado, como para el profesorado, ya que podemos crear nuestros propios ejercicios, con una herramienta CAD de lo más sencilla, y compartirlos.
El menú está organizado en EJERCICIOS y en COLECCIONES. Ambos con variedad de problemas, la mayoría solucionados paso a paso y de fácil comprensión.

 
Ahora, más que nunca, os aconsejo un vistazo. Os va a ser de gran ayuda para resolver los ejercicios propuestos en este atípico final de curso.
Y, como las entradas se van quedando atrás y a veces cuesta encontrarlas, he puesto un enlace permanente en la columna derecha de este blog, en el apartado Mis imprescindibles de Dibujo Técnico.
No hay excusa. 
Espero que os guste y os sea de ayuda.
                                       

Fiber Art. El hilo como material artístico.

El mundo del diseño es apasionante. Uno de los campos del diseño del que paradójicamente nos olvidamos a menudo, a pesar de su presencia, es el diseño textil.

Diseño textil.

El diseño textil está relacionado con la elaboración de diferentes tejidos con propiedades específicas de hilado, tramado o teñido y también con la creación de estampados que adornan a esos tejidos.

Concepto.

La palabra 'textil' proviene del latín texere que significa tejer, trenzar o construir. 

La mayoría de los textiles se fabrican a partir de hilos o cuerdas confeccionados por torsión o trenzado de las fibras. 

Los hilos se tejen, tricotan o enlazan para formar una tela o paño que puede utilizarse para hacer ropa y otros objetos y, por supuesto, para crear obras de arte bidimensionales o tridimensionales.

Ámbitos.

El Diseño textil Abarca diferentes ámbitos.

Por un lado, el Diseño de moda con obras de arte ambulantes en forma ropa o complementos. También en forma de tapicerías, alfombras, cortinas o sábanas y mantas que nos acompañan silenciosamente en nuestra rutina diaria. Por otro lado, obras protegidas por los muros de los museos, salas de exposición o colecciones privadas.

Todos ellos tienen en común el uso del mismo material: tejidos y fibras.

Arte con nombre propio:

Fiber Art.

Durante las décadas de los 60 y los 70 del siglo XX la expresión “arte textil” se consolidó, desligándose del ámbito meramente artesanal. 

Artistas como Sheila Hicks, Magdalena Abakanowicz, Lenore Tawney y Claire Zeisler fueron sus principales abanderadas.

Clic para ver su obra y detalles de su trayectoria artística.

El Fiber Art tiene un lenguaje propio, con tejido y fibras como materia de expresión artística. 

Es como pintar con hilo y esculpir volúmenes con todo tipo de materiales textiles. 

Artistas.
No ha sido fácil elegir entre tantos artistas con obras tan diferentes y atractivas. Os presento a las que más me han impresionado: Cayce Zavaglia y Alicja Kozlowska. 

Cayce Zavaglia.

Cayce Zavaglia me impresionó por el grado de realismo y detalle en sus trabajos. Os animo a visitar su página para ver más obras suyas, la mayoría retratos.

Imágenes del anverso y reverso de la misma obra.

Alicja Kozlowska.
La página de esta artista me ha encantado, no me canso de recrearme en todos esos objetos cotidianos tejidos. 
Aquí os dejo un par de ejemplos y dad una vuelta por su página, por favor.

Bueno, como dijo Paul Éluard, hay otros mundos, pero están en éste...
Espero que os haya gustado.
Fuentes: Wikipedia, El Economista

Materiales de dibujo: el lápiz.

¿Gaspar Faber? ¿Nicolas Conté?
Seguro que esos apellidos los reconocemos y relacionamos rápidamente, sobre todo el primero de ellos. ¿Me equivoco?

El lápiz. Un poco de historia.

En la Edad Media se utilizaban varillas finas de plata, plomo o estaño consiguiendo trazos muy finos.

Primeros lápices: En 1564 se descubrió el grafito, en Cumberland, Inglaterra. Este descubrimiento permitió la invención de los lápices de grafito, que posteriormente se introdujeron en Francia.

Difusión: en el siglo XVIII, de la mano de Gaspar Faber, en Alemania, se generaliza su uso.

A finales del siglo XVIII el francés Nicolas-Jacques Conté y el austríaco Joseph Hardiriuth consiguieron una mejor producción y mayor resistencia, además de diferentes grados de dureza, al mezclar y hornear el grafito con arcilla y rodear esta mezcla con cilindros de madera. Es el antecedente más directo de lo que hoy coniocemos por lápiz.

Una mayor cantidad de arcilla proporciona mayor dureza y viceversa.

En la actualidad la composición de las minas se ha ampliado. Además de grafito y arcilla, se añaden grasa y ceras.
Los lápices de grafito se han convertido en útiles básicos y fundamentales en el dibujo. Son un producto económico y muy versátil que se puede utilizar tanto para dibujos técnicos como para dibujos artísticos.

¿Qué es el grafito?
El grafito es un mineral y el término deriva del griego γραφειν (graphein) que significa "escribir", ya que se usa principalmente para crear la punta de los lápices.

Minas de grafito: Presentación y nomenclatura.

La mayor o menor dureza de la mina se expresa anteponiendo al número que indica el grosor de la misma, las letras H (del inglés, hard) o B (del inglés, black).

letra	trazo	más características
H	Mayor dureza, trazos más finos y más claros	Puede llegar a marcar el papel y es más difícil de borrar
B	Más blando, trazos más gruesos y más oscuros	De fácil borrado, ensucia más
HB	dureza media tirando a blando	el más utilizado
F	dureza media tirando a duro
2H...	Cuanto más alto sea el número que acompaña a la letra, más duro
2B...	Cuanto más alto sea el número que acompaña a la letra, más blando

Si no pedimos un grosor o dureza determinados cuando vamos a comprar un lápiz o minas, nos ofrecerán las más comunes: dureza HB y grosor 2 en el caso del lápiz y dureza HB y un grosor 0.5 en el caso de las minas.

Presentación estándar. 
La mina está recubierta de madera, en forma hexagonal, triangular, circular, ovalada.
Las formas poligonales suelen resultar muy cómodas porque no ruedan sobre la mesa. Cada vez que se nos cae un lápiz al suelo, aunque aparentemente no le haya pasado nada, corremos el riesgo de que la mina, con el golpe, se agriete o rompa. Nos damos cuenta de ello cuando afilamos el lápiz y vemos que se nos rompe la punta una y otra vez. ¡Cuidadito!

Otras presentaciones.

Barras de grafito de diferentes grosores y durezas. Algunas necesitan un portaminas para poder utilizarlas, otras se utilizan directamente.
Lápices recubiertos de madera y de sección rectangular, son los conocidos como lápiz de carpintero.
También existen lápices de colores, tema de una futura entrada en este blog, lápices no reproducibles, de acuarela... 

Fuente de la imagen.

Materiales complementarios. 

Gomas de borrar, difuminos, cuchillas y sacapuntas o portalápices para cuando se nos quedan demasiado cortos. 

Soportes y técnicas.

El soporte más adecuado para trabajar con lápices de grafito es el papel, aunque se puede utilizar sobre cualquier superficie porosa. 

En cuanto a las técnicas, se pueden realizar sombreados, sombreados de líneas cruzadas, difuminado... Tema que en breve espero desarrollar para evitar cargar más esta entrada.

Espero que por fin quede claro el tema y os animo a investigar un poco más, he dejado muchos cabos abiertos.

EcoObras en proceso frente al maltrato ambiental.

Las respuestas plásticas de los alumnos de 4ESO ante la crisis ambiental o, como a mí me gusta llamarle, ante el maltrato ambiental, son similares.
Sin ponerse de acuerdo entre ellos, el enfoque ha sido similar y se centra en la gran cantidad de basura que nos invade.
De hecho, el principal material de muchos de estos trabajos, son objetos reciclados (basura) elegidos para tal fin.

Propuestas.

Por un lado, la mayoría, ha optado por trabajar con objetos reciclados: basura que han encontrado en el patio del IES (esto es penoso y es una invitación a reflexionar seriamente sobre el tema), o que han encontrado en sus paseos diarios.

Con todo este material están realizando obras tridimensionales a un formato mayor del habitual.

Se pueden ver objetos de toda clase, como neumáticos, cartones, demasiadas bolsas de comida-basura, envases...
Por otro lado están los que han elegido el dibujo, el collage o la fotografía.

Os dejo el avance del proceso creativo y en breve montaremos la exposición en la que cada obra irá acompañada de un pequeño texto relacionado con el tema.

¿Qué os parece?

Enlace a entrada previa y posterior directamente relacionadas.

Educa Thyssen: Técnicas artísticas. Espacio. Luz.

En la sección de Itinerarios artísticos del Museo Thyssen Bornemisza nos encontramos con este material muy útil para trabajar las técnicas artísticas y acercarse a la representación del espacio y de la luz en pintura.
Bajo cada título, aparecen cuatro itinerarios diferentes divididos en capítulos, cada uno de ellos trata de un autor diferente con un enlace al libro del alumno.

Richard Estes. People’s Flowers, 1971 (detalle). Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

 Los títulos son:
La representación del espacio.
Historia de las técnicas artísticas.
La luz en la pintura del Museo Thyssen.

¿Qué he echado de menos?
Más documentación visual y mayor tamaño de las imágenes de las obras.
Os recomiendo dar una vueltecilla, os gustará.

Libros desplegables.

Un poco de historia.

Los libros desplegables, tal y como los conocemos ahora, tienen sus antecedentes y su lógica evolución.
Aunque no se sabe con certeza en qué momento empezaron a introducirse mecanismos para poder manipular los contenidos, sí que se tiene constancia de libros muy antiguos orientados a público adulto.

 El de la imagen pertenece al siglo XIII.

A finales del siglo XVIII  empezaron a hacer libros con desplegables para un público más joven. Y a finales del siglo XIX aparecieron numerosos autores que trabajaban esta técnica para ilustrar libros infantiles y así, la técnica se fue perfeccionando poco a poco, añadiendo nuevos mecanismos como persianas móviles o movimientos circulares en el que se mostraban las imágenes escondidas.


El perfeccionamiento de esta técnica ha dado como resultado auténticas esculturas de papel.
Realistas:

Catedral de León de Fernado Ferreras.

O abstractas:

 

Un punto azul de David Carter.

Recursos.

En este enlace podrás ver un vídeo de cómo hacer letras en relieve.
Técnicas básicas por aquí.

Fuentes.

Ana María Ortega. En su página encontraréis toda la fabulosa historia y evolución de los libros desplegables.

Y, muy pronto, las imágenes de vuestros trabajos de clase.

Pintamos en caballete.

¿Qué mejor manera de aproximarse a una obra de arte que intentar reproducirla?
Esto es lo que están haciendo mis alumnos de 4ESO en la hora escasa que tenemos de clase.

Cada uno ha elegido una obra pictórica, la técnica y el soporte.
De esta elección depende el trabajo teórico, en el que han de constar los siguientes puntos:

• las características básicas del estilo al que pertenece el autor elegido
• las características de su obra en general
• el análisis de la obra elegida

Además, también han de entregar otro trabajo relacionado con las técnicas húmedas en pintura, profundizando en la o las técnicas que cada uno ha utilizado.

La mayoría ha elegido témpera, pero también acrílicos e incluso óleo. 

El soporte más utilizado es cartón, pero también madera y lienzo, siempre en un formato proporcional al de la obra elegida.

Y muchos han utilizado el caballete por primera vez. Y ahí va un poco de su historia.

El caballete.

Según Wikipedia un caballete es un mueble que constituye una ayuda vertical para exhibir o fijar algo que se apoya sobre él.

Así que la función principal del caballete es sujetar el soporte en una posición que nos facilite el trabajo.
Pueden ser de diferentes materiales como madera, aluminio o acero; y de diferentes formas.

• Formas.

De trípode. Con 3 patas, de poco peso y plegable.

De estudio o en forma de H, más pesado y estable.

De campaña o portátil. Ligero de peso y de tamaño más reducido que los anteriores para poder transportarlo con facilidad. Los hay que tienen el maletín para las pinturas incorporado.

De sobremesa, más pequeños para colocar encima de la mesa a modo de atril.

Además de ayudarnos a sujetar el soporte para pintar, también podemos utilizarlos para exponer.
Y eso es lo que vamos a hacer en cuanto acabéis.
Venga, a disfrutar.

Instrumentos: espátulas

CARACTERÍSTICAS.

Las espátulas son unas herramientas sencillas compuestas de un mango, usualmente de madera, y una hoja metálica, normalmente es de acero inoxidable, de borde afilado, bastante flexible y de anchura y grosor variable.

La resistencia y flexibilidad de la hoja son sus principales cualidades.

La elección de la anchura depende del uso que queramos darle. Una hoja estrecha y pequeña nos servirá para superficies pequeñas y detalles y otra más ancha será ideal para superficies más extensas.

Es conveniente tener espátulas de diferentes tamaños y formas y se puede combinar su uso con el del pincel.

USOS.

Su principal uso es crear texturas, ya sea utilizándolas como instrumento para aplicar el color o para rascar la superficie del soporte pintado.

También son útiles para mezclar los colores antes de aplicarlos al soporte.

Las mezclas se realizan siempre en una paleta de pintor o en un plato, preferentemente blanco para que no nos influya en la percepción de los colores.

TÉCNICA.

Es una técnica compleja en la que los colores se aplican espesos, sin diluir, directamente del tubo y muy útil para trabajar con óleo o acrílico.

Como no se utilizan disolventes, se aprecia la trayectoria del trazo y en el resultado predomina la textura rugosa.

Es fácil de identificar por el característico acabado con relieve.

Tutorial para aprender el manejo de la espátula.

Taller de pintor en el que se aprecian los diferentes pasos, desde el abocetado con pincel y color diluido, hasta la obra final con los trazos trabajados con espátula.

Instrumentos :pinceles

Los pinceles son unos instrumentos que se utilizan para trabajar con las técnicas húmedas, acuarela, acrílico, témpera, óleo... y que nos permiten aplicar el color sobre un soporte.

Mi bote de pinceles

Se usan sobre todo en Pintura e ilustración en general. Aunque no es exclusivo de estas disciplinas.

Cabe la posibilidad de combinarlo con otros materiales como plumillas o espátulas.

Podemos utilizarlo para cubrir espacios de color o para realizar trabajos de línea.

Si lo que queremos lograr es la línea sensible, antes de empezar os recomiendo que ejercitéis la mano, sobre todo es un juego de muñeca, haciendo trazos continuos y realizando giros y bucles con el fin de conseguir trazos de anchura variable.

PARTES.

Mango: parte por la que se sujeta el pincel.

Suele ser de madera y en ella aparece información sobre la marca, el grosor y el tipo de cerdas.

Virola o férula: es la parte que enlaza el mango y el pelo.

Suele ser de metal y su forma se adapta al tipo de pincel.

Cerdas o pelo: es la parte más importante del pincel, ya que el trazo y resultado final dependen de su forma, tipo o calidad. Por regla general, son de pelo natural de animal aunque hoy en día se encuentran sintéticos de muy buena calidad.

Esta parte viene protegida con un capuchón de plástico.

FORMAS.

DE TAMPONADO: es de forma redonda y de pelo áspero con el extremo plano.

Es el único pincel en el que se han cortado los extremos de los pelos.

DE ABANICO: se utiliza para hacer transiciones cromáticas uniformes.

LENGUA DE GATO: adecuado tanto para detalle como grandes superficies, permitiendo hacer contornos definidos.

PALETINA: los pinceles anchos o muy anchos, suelen ser de mango corto y se utilizan para dar grandes superficies de color, imprimaciones y barnices.

PLANO: Un Gussow es un pincel plano, con un extremo recto, lleva el nombre del pintor Gussow, procedente de Munich. La longitud del pelo es al menos igual a la anchura. El modelo Interlocked o "cerrado por dentro", se forma por medio de dos haces de pelos sometidos a un proceso que les da una forma curvada, de tal modo que uno se inclina hacia el otro, los pelos de un Interlocked tardarán más en separarse que los de un pincel plano normal.

DE PUNTA REDONDA: este modelo sólo se puede hacer de tipos de pelo suave o de poliéster. Los pelos en el centro del pincel son más largos que en el exterior. Es muy utilizado para trabajos finos y de detalle.

ABOMBADO: Se trata de un pincel abombado con el borde arqueado, se utiliza para todas las técnicas.

GROSORES. El grosor se refiere a las cerdas y va del 0, el más fino, para trabajos que requieran mucho detalle; al 14, el más grueso.

Interpretación de una alumna de 4ESO. Témpera.

CONSEJOS.

Se guardan o bien en un bote con las cerdas hacia arriba, o bien envueltos en un paño intentando que el pelo no se deforme.

Hay que limpiarlos concienzudamente con agua jabonosa o disolvente teniendo cuidado de que no queden restos de pintura en la parte de las cerdas que está en contacto con la virola. Luego secar y restaurar su forma original de forma que las cerdas se queden unidas.

Un truco para saber si un pincel es bueno, es humedecerlo y sacudirlo.

Si las cerdas permanecen unidas es señal de que es de buena calidad.

+ info de las diferentes formas con ilustraciones de cada tipo de pincel.

+ info de los diferentes tipos de cerdas.

Empezad a practicar :)